会場の展示室の床には、黒く塗られた板が敷き詰められ、作者によって「夜」が演出されていた。そこに作品がポツリポツリと置かれ、それらをつなぎ合わせて全体として眺めると、確かに、夜の草原でささやかれる話がひとつの小さな物語となってつながっていくようにも見える。
　しかしそれら一つひとつは、決して能弁ではなくむしろ木訥な陶による小話であり、また微風にも震えるような感受性があればこその形だと思わせる作品だ。
　手捻りで成形されたこの土の造形は、板のように薄い家、羽の生えた階段、あるいは、天高く伸びた建物や器の異形など。一見するとはかな気な姿の、夢やお伽噺のイメージの断片とも思えるオブジェは、だが、どれも内側から染み出て来たように自然に、土の持つ強靱さを伴っている。もちろん作者の意志によって、素材から引き出されて表現されたものだ。
　その姿のはかない抒情と、素材が持つ強さとの隔たりのアンバランスさに、大きな魅力があるような気がする。
　安藤氏の作る形は、確かな技術に裏打ちされて出来上がっていて、しかもこれらの作とは、対話できる楽しみがある、というギャラリー主の言葉に、素直に共感できた展覧会だった。
上左●「夜の野原・点在する光」の物語がインスタレーションされたギャラリーの一室。　上右●土の素材感を残しつつも軽やかなイメージの形象に仕上げるのはこの作者の特徴のひとつだ。

　すべて薪窯で焼かれた器の展覧会を見た。
　南蛮焼締め、粉引などに定評のある笠間の陶芸家・小山義則氏。会場の宙では４度目となる今展は、前回（2005年）も注目を引いていた白瓷を中心に、お得意の焼締め、粉引、鉄釉などの、皿鉢類、花器、茶器、土鍋、すり鉢など、多彩な器がズラリと並んだ。価格もとても良心的なので、この時代にすべて薪で......と驚いて聞くと、「作る方が勝手に焼いてるだけですから」と笑顔で頓着しない。とにかく焼締めがやりたくてこの道に入り伊賀・丸柱で修業したという作者にとって、薪で器を焼くのはごく自然なことのようだ。
　「火前のものは少し焼き過ぎました」という白瓷は、前回と焼き上がりが違って少し黄がかったり窯変が出ているものもある。「本来は白磁らしく白い方がいいでしょうが器なので楽しんでもらえれば」と控えめだが、それらはとても新鮮に見えた。たとえば輪花鉢は、朴の花のよう。炎にあおられて縁に窯変と動きの出た様子は、散りゆく風情を思わせた。何も盛らずそのまま飾っても存在感を放つだろう。
　やきものらしい率直さと作り手ならではのセンス、この両方が表れた作で満たされた会場。欲しい器はきっとここで見つかる、と自然に感じさせてくれた。
上左●「輪花鉢」4,200円。白瓷の透明感と窯変が不思議な魅力。上右●搬入されたのは総数500点。ダンボールにまとめ買いをするファンの姿も多々見られビックリした。

　碧釉と名付けられた、美しいブルーの釉を使った作でよく知られている木村芳郎氏が、新作個展では一転、陶の阿吽像を作って発表し、新境地を拓いた。幼少期に鎮守の社で見た一対の古い守護獣が、長く心の奥に引っかかっており、それが今回の形に結びついたらしい。
　制作方法は、スケッチやエスキースなどは作らず、イメージだけを頼りに、いきなり土を積み上げて作っていくのだという。そういう点から、これまでの皿や鉢とは違った造形力やバランス感覚が求められる制作だと思われるが、阿吽像として破綻なくまとめられており、作者の仕事の領域の広さを、さらには感覚の鋭敏さを示して知らせる展覧ともなっている。
　会場内の作品を仔細に見ると、不思議なことだが、巨大なサイズのものよりも、むしろ中・小サイズの作品に、陶の塊だけが発することのできる、特有な粘るようなエネルギーを強く感じるような気がした。また、観覧者の評判も上々のようであり、多くの作が売約済みとなっている。
　なお、この陶の像の仕事は今後継続する予定はなく、本展での一回限りとなるらしい。
上左●作者・木村芳郎氏。重さが1.9トンもある大作は、滋賀県立陶芸の森の創作研修館で制作された。

上右●金彩の施された作の素地は磁器土だ。

　須恵器を思わせる灰白色の素地に、淡く美しい青緑色の自然釉が、地図上に記される河川のように流れた作品を見た。
　素地に用いる土は、伊賀土を中心にいく種類かの土をブレンドして作者自らが作る。焼成は自作の半地下式の穴窯だ。といっても、重油を燃料にしたバーナーで炙り焼き、土が焼き締まった頃合いを見て、コナラなどの灰を投入する。その後に薪を放り込み、窯を密閉し還元状態にして燻し焼くという。このいわば須恵器風な独自の燻し焼きによって、素地土が灰白色に仕上がるのだという。思うような焼成結果が得られれば、「楽に焼きたい」と合理的に割り切っている割には、なかなか面倒で手の込んだ焼成方法を選択している。
　しかしその甲斐あってか、会場に並んだ大壺、花入、水指、瓶子、皿、酒器などは、どれも白く焼き締まった器胎に、霜が降りたように輝く地肌に、自然釉が流れ落ちる印象深い作だ。また、高温焼成による土のヘタリ止めの跡が装飾ともなり、作品にアクセントを添えている。
　陶芸家としての前途を予感させるような、辻村唯氏の新作展だった。
左●小品ながら存在感ある「自然釉花入」　右●父・辻村史朗氏に師事し、2002年に独立。2009年6月、名古屋・丸栄にて個展予定。

　年の瀬が近づき、各工芸ギャラリーでは漆の企画展が多く開かれるようになってきた。そんななか、太田修嗣氏の新作展がはじまり、ファンらで会場は賑わっていた。
　作者の工房は愛媛県の山中にあり、その地の利を活かし木地選びから塗りまで、一貫して自らで行っているという。本展出品作にも欅、楓にはじまり、沢栗、朴、栃、水楢、黄檗など多彩な素材が使われていて、恵まれた制作環境にいることが伝わってくる。実際に手に持ってみると、楓はやや軽くて使い勝手がよさそうに感じられ、水木は重くて硬質だが、丈夫なのだそうだ。それらの樹肌や木目をそのまま見せ、野性味が感じられるように仕上げた作がある一方、たとえば、根来風に漆を塗り重ねたものなども見受けら、どちらも魅力がある。塗りは他にも、曙塗、溜塗、拭漆などと作者特有の様々な手法が試されて、それぞれの表情も異なっていて楽しめる。また椀なら20,000円弱、通盆でも30,000円ほどから購入できる発表価格も良心的だと感じられた。
左●曙塗と作者がいう手法による鉢。右●野趣ある素材感が現れた長皿がアクセントに。

　日頃から、互いを尊重し干渉し合わずに作り、活動している夫婦陶芸家による２人展が開かれ、盛況だった。
　会場には、ともに半磁器土による、またガラスを使った明るく、軽やかな気分にさせられる器ばかりが展示されていた。なぜ、そんな印象を持つのだろうかと、その意味を探しながら一巡すると、日本の伝統的なやきものを基点にしたような形や模様がないからだと見当がつく。どれも自由な発想に基づいた個性的な形で、しかもポップな装飾が施された器ばかりだ。
　特徴ある象形文字にも似た絵付や、弾むような水玉模様がつけられた鉢や花入は、使うことを思っただけで気分が華やぐような前川氏の作品だ。一方、レギーナ氏の作は実用を伴わない造形作品のようでありながら、たとえば、花入として使えるように口が付けられているなど意外性がある。絵付はパステルトーンの抽象絵画調で、すぐにでもリビンクに置いてみたくなるほどに誘惑する。ふたりはともに、やきものを見るよりも絵画などにより強い関心があるという。だが、今の時代を強く呼吸する、これらの個性的な器が生まれる本当の理由は、どこにあるのかはよく分からないままだ。それもこれらの作品の、魅力の一片かも知れないと思う。

左●個性がぶつかるようでいながら、互いに響き合うようにも見えるふたりの作品。右●2009年にはスイスで２人展を開催する予定。

 

　伝統的な美濃陶を焼く実力派・吉田喜彦氏の個展が開かれ、熱心なファンが会場を訪れていた。志野茶碗を中心に、土灰釉茶碗、瀬戸黒茶碗、白化粧茶碗、それに亜米利加茶碗など、いずれも静かで落ち着きのある、いかにもこの作者らしい姿形の茶碗が展示された。
　亜米利加茶碗は、今春渡米し、ポートランドやサンフランシスコの美術館でスライドレクチャーをする合間に、西海岸の原土に市販の土を混ぜて素地とし、当地で薪窯にて焼成したという作だ。どこで、どんな素材を使って作っても、円やかなゆったりとした雰囲気を観る者に伝える茶碗にしてしまうのは、ベテランの実力だと思えた。「茶碗は気持ちよく飲みたいものですから、カサカサしたものや、強く主張したのはあまり......作りたくないですね」という。形を包む空気のようなものを大切にして、意識して作りたいというだけあって、一碗一碗がそれぞれ趣き深く感じられる。なかでも赤志野や練込み志野など、とくに志野茶碗に多くの優品が見受けられ、見応えある展覧だった。
左●丸味を帯びた、ゆったりとした形の志野茶碗にこの作者の特徴が現れている。右●会場にて茶碗制作について話す吉田喜彦氏。

　土や釉などの素材に固有の性質や、また焼成を経ることによって起こる様々な変質に着想を得て、作品化してきた作者ならではの新作が出品されていた。
　壁面に展示された角型の陶板は、磁土にスポンジを浸して基本形が作られているという。そうして成形されたボディにさらに、焼成の際に作品と窯の棚板とのくっつきを防ぐために使われているアルミナ粉や、長石粉などを掛けて焼かれている。ザラっとした質感や表面がめくれたりしていて、素材の表情がリアルに迫ってくる作品だ。一方、角形のやや小型の陶板はといえば、磁土にキッチンペーパーを浸して焼かれたものだ。磁器土の白さと対局をなす黒い装飾は、銅線や粉末の銅を焼いて得られた色と、焼きの表情というわけだ。
　器としての用途を意識した作も出品されていた。これらも造形的作品と同様に素材独自の性質や必然的な力を引き出しながら、膨らみやカーブ、凹みなどが作られている。それらの自然な形や、釉の溜まりの色などが繊細で美しく、陶という素材に対する鋭く深い眼差しがなければ生まれない作ばかりだと思った。
左●高い足がついた箱膳のような皿は、オブジェとしても美しい。右●キッチンペーパーを利用して成形された陶板（壁面）。左は金属と陶を組み合わせたオブジェ。

「よいものを、長く使い続ける」という当たり前のことが、どこかに置き忘れられつつある世の中。現代社会ではより多くの「消費」者を見つけ刺激するのに長けることに、様々な手法や価値が見出されてきた。
　本展の主催者である（財）クラフト・センター・ジャパンが、全国から優れたクラフト作品を発掘してきて展示し、結び手（バイヤーなど流通を担う人）と使い手に広く紹介しようという、意気に溢れた展示会が開かれた。
　陶磁、漆、木・竹、染織、鉄、ガラスなどを素材とした約50の個人作家や団体らが出品しており、思わず手にとってみたくなるような良心的な、かつ機能的な作りのものも少なくなく好感が持てた。とはいえ、「クラフト」という概念や呼称が消失しかかっている現実のなかで、作品を見ながら、その独自性を主張・普及しつつ、位置と範囲を確保するという難事にも直面しているように思えた。当然、作り手にも流通を担当する側にも、情熱を持っているがために危機感や問題意識を抱える人もあって、意見を交換し合う「語る会」も同会場で企画され、意義深かった。
　優れたものの持つ普遍性と道具としての丈夫さや機能性、合理的な価格付けなどが、比類のないクラフト作品の特異性となるように感じられた展覧だった。
左●東京・品川で漆器を制作する田中勝重氏の作品。右●クラフトの現状と将来を「語る会」が、展示会場の一隅で開かれ意見交換が行われた。

　ぽわりとした独特な雰囲気の陶の造形に、真っ赤な彩色が施された礒﨑真理子氏の鮮烈な、興味深い展覧会を見た。現在の活動の中心はイタリア・ミラノにあり、同地でも東京展と同じ傾向の作品による個展が併行して開催されていて、精力的だ。
　近年、大理石やファイバーグラスなど、素材を陶に限定しない、とくに屋外展示向けの大作作りにも仕事の範囲を拡げている。本展の素地に使用したのは、信楽土。1000度から1050度ほどの温度で焼成した後に、真っ赤なアクリル絵具にメディウムと砂を混ぜて彩色し、表面の質感が施されている。テラコッタ・ペイントとでもいう手法による制作だ。これらの作はもちろん陶の造形には違いないが、前回展（2005年　同会場）の作とは異なり、化粧土で装飾、焼成しなかったことに、作者の個性と成長の跡があるように感じた。結局、「私は形に関心があり、形を作りたいのだと思う」のを、冷静に、素直に推し進めた結果としての選択だったろうし、環境の変化も手伝っているだろう。これらのユニークな形と装飾が、今後、どういう方向に進むかは作者自身にも見通せないような気がする。それを今は、楽しみとして受け取りたいと思う。

左●鮮烈な印象の蓮の花床のようなオブジェ。発表価格は750,000円　右●なんとも不思議な形には、愛らしさも感じる。80,000円